Японская анимация – с чем её едят? - Знакомим с аниме: подборка режиссёров японской полнометражной мультипликации для начинающих

Что такое аниме? Для чайников поясним, что исконно аниме – это вся японская анимация. Многие причисляют к аниме анимацию из других стран восточно-азиатского региона (главным образом Китая и Южной Кореи). Большая часть аниме ориентирована на подростковую и взрослую аудиторию, а не на детей, что разительно отличает ее от заокеанской и европейской анимации, в которых основная масса продуктов имеет детскую или преимущественно детскую ориентацию. Корнями аниме уходит в японскую мангу – национальный жанр комиксов, имеющих еще более древнюю историю и считающихся одними из самых древних комиксов в мире. Помимо манги основой для аниме может стать ранобэ (более приближенная к обычным литературным новеллам манга), компьютерные игры или же оригинальный сюжет. Первоначальный базовый стиль анимации японские мультипликаторы позаимствовали еще у довоенных мультфильмов студии "Disney". Основная масса произведений в стиле аниме выходила и выходит в виде телевизионных или видео-сериалов, тогда как на полноценные полнометражки приходится не такой большой процент произведений. В нашей подборке рассмотрены только полнометражные аниме-фильмы и их создатели! Хаяо Миядзаки Дедушка Хаяо объективно самый известный творец аниме (режиссер, продюсер, сценарист и писатель), выведший жанр на совсем другие ступени качества и мирового признания за границами Японии. Родился Хаяо в послевоенной Японии, в семье владельца авиационной фабрики. Его мать была больна туберкулезом спинного мозга, что накладывало свой отпечаток на их образе жизни – они часто переезжали. С детства будущий режиссер увлекался чтением манги (это такие японские комиксы). Он пробовал рисовать мангу сам, стараясь выработать собственный стиль и отточить мастерство рисовки. Уже в старших классах Хаяо решил стать аниматором. И, хотя в дальнейшем он обучался на факультете политики и экономики, первой ступенью в карьере молодого Миядзаки стала должность фазовщика в одной из японских студий. Там, благодаря таланту, он продвинулся на должность аниматора и познакомился с Исао Такахарой – будущим верным другом и партнером по созданию аниме. После уже вместе они поменяли несколько студий и выпустили ряд совместных проектов, прежде чем Миядзаки снял свой первый успешный (и коммерчески, и художественно) анимационный фильм "Навсикая из Долины ветров". Помимо необычайного сеттинга и весьма оригинальной истории, картина явно пропагандировала бережное отношение к окружающей среде и охрану природы. В 1985 году Миядзаки, Такахата, Токума и Судзуки основывают собственную студию Studio Ghibli, которая сперва покорила внутренний японский рынок («Небесный замок Лапута», «Мой сосед Тоторо», «Могила светлячков», «Ведьмина служба доставки», «Порко Россо»), а спустя десятилетие вышла на мировой рынок («Принцесса Мононокэ», «Унесённые призраками», «Ходячий замок», «Сказания Земноморья» и другие). Чтобы подробно описать даже самые значительные творения Миядзаки, не хватит и дюжины подобных статей. Дабы немного сориентировать читателей, мы порекомендуем начать знакомство с творчеством этого режиссера с одной из следующих лент: "Унесенные призраками", "Ходячий замок", "Принцесса Мононоке" и "Мой сосед Тоторо". Именно в них, на наш взгляд, творческий стиль режиссера наиболее заметен. Миядзаки в одинаковой степени вдохновлялся для своих работ как японскими народными сказаниями, персонажами мифологии и сказок, так и европейскими. Этот крайне необычайный коктейль из двух совершенно разных культур является отражением современной Японии, которая одной ногой прочно стоит в своих исторических традициях, а второй уже вполне успешно шагнула в будущее. Фэнтезийные миры Миядзаки отличаются высочайшей степенью оригинальности; они целостны и подчиняются собственным законам, не делая скидки в угоду сюжета. Некоторые сцены его картин бывают жестоки и пугающи, что, однако, не делает их непригодными для детского просмотра. Аниме Миядзаки – это погружение в чудесный мир глазами ребенка, увлекательное путешествие в пространство фантазий и подвигов, магии и стимпанка, героев и демонов. Отдельного упоминания заслуживает рисовка и стилизация анимации. Если первые работы студии Ghibli можно упрекнуть в слишком простой, недостаточно детализированной и устаревшей картинке, то последующие картины уже твердо нащупали неповторимый стиль и особенности рисовки. Если вы решили открыть для себя жанр аниме – начните с Миядзаки. Большинство его работ отлично подойдут и детям, и взрослым (исключая "Ветер крепчает" и "Могила светлячков" – это для более зрелой и устойчивой публики). Хаяо Миядзаки является обладателем множества престижных кинопремий, в том числе Оскара за лучший анимационный фильм ("Унесенные призраками") и почетного Оскара за вклад в киноискусство. Сатоси Кон Менее известный и скоропостижно скончавшийся на пике своей карьеры режиссер, тем не менее, внесший весомый вклад и ставший для многих поклонником культовым творцом аниме. Кон родился в середине 60-х годов и с самого детства начал увлекаться мангой, аниме и западными комиксами. Под впечатлением он занялся рисованием. Выучившись на художника, он с 90-го года начал выпускать свои собственные работы на студии Madhouse. Сатоси Кон за свою недолгую карьеру успел выпустить лишь четыре полнометражных аниме-фильма. "Идеальная грусть" стала визитной карточкой режиссера, чей жанр можно охарактеризовать как психологический драматический триллер. Эта лента, предназначенная совсем не для детской аудитории, отличается реализмом – как в стиле рисовки, так и в происходящих на экране событиях. Это уже не фантасмагорические миры Миядзаки, но тяжелая и гнетущая реальность главной героини (на что намекает даже само название, которое имеет несколько вариантов перевода), которая со стороны кажется яркой оберткой, а на деле оказывается настоящим адом. "Актриса тысячелетия" уже более изобретательна в построении композиции – экранизируя воспоминания некогда прославленной пожилой актрисы, Кон смешивает ее реальную жизнь и ее роли в кино середины 20-го века. Это смешение реального образа персонажа и ее экранных героев, жизни и вымысла, протекает через всю картину, что придает этому аниме необычайную стройность и неожиданную многослойность. Детям это будет смотреть тяжеловато. "Однажды в Токио" является более простой рождественской притчей, доброй и приятной, но с ощутимым социальным подтекстом. Но главной его картиной мы считаем "Паприку", где на довольно незамысловатый сюжет и стандартный детективный сценарий надета потрясающая психоделически-сюрреалистическая оболочка. Визуальная часть "Паприки" в моментах совмещения мира сновидений и реального мира поистине поражает безграничностью форм и легким безумием происходящего. Это уже полноценное совмещение реализма и мира грез спящего сознания в крайне красочной форме показывает, какими могут быть сны наяву. Ни одно из аниме Сатоси Кона нельзя порекомендовать для детей. Подросткам – да, но дети не оценят реализма, а некоторые сцены могут их немного шокировать. Зато серьезные взрослые, которым по каким-либо причинам не зашла сказочность работ Миядзаки, могут вполне принять работы Кона, которые по сути являются авторскими артхаусными лентами от мира аниме. В возрасте 46 лет Сатоси Кон скончался от рака поджелудочной железы, что для миллионов фанатов этого режиссера стало трагедией. Перед смертью Кон работал над амбициозным аниме-проектом под названием "Машина сновидений", что, должно быть, обещало развитие художественных тенденций, опробованных режиссером в "Паприке"... Макото Синкай Этот создатель аниме из нового поколения, чья работа "Твоё имя" стала самым кассовым аниме за всю историю. Родился Синкай в 1973 году в Нагано, но для учёбы перебрался в Токио. После обучения устроился на работу в студию Minori, где первые годы занимался разноплановой работой. Дальше Синкаю доверили работу над короткометражками и 3D анимацией для компьютерных игр, которые стали пользоваться успехом. С началом "нулевых" Макото сосредотачивается на собственных проектах и выпускает первое полнометражное аниме - научно-фантастическую мелодраму "За облаками". Спустя несколько лет выходит его вторая полноценная лента "Пять сантиметров в секунду", рассказывающая о любви двух подростков, разделенных расстоянием. Уже в ней ощущается невероятная трогательность, легкость и лиричность работ Синкая, упор на которые он сделает в последующем. Тема расставания, отдаленности и любовных переживаний основательно заняли центральное место в творчестве Синкая, под тем или иным ракурсом передаваясь во всех его последующих работах. В 2011 году он выпускает в прокат новое аниме - "Ловцы забытых голосов". В отличие от "Пяти сантиметров в секунду" это уже не реалистичная драма, но приключенческое фэнтези. Правда, от накала трагизма и давления на эмоции в финале Синкай не отказался, что, на самом деле, только скрасило эту его работу и уже стало неофициальной визитной карточкой режиссера. "Сад изящных слов" увидел свет в 2013 году. В этой работе режиссер вновь возвращается в рамки привычной реальности, где рассказывает практически камерную, крайне трогательную, нежную, но в то же время тяжелую историю любви старшеклассника и взрослой девушки. Здесь лирический посыл аккуратно затрагивает базовые принципы социальной иерархии и все еще сохранившиеся строгости и предубеждений традиционного японского общества. "Твоё имя" появилось в 2016 году и сразу стало хитом, побив все рекорды по кассовым сборам в стране и мире. Фантастическая история об обмене телами между двумя подростками, перемещение сознания во времени и пространстве, а также нависшая смертельная опасность делают сюжет этой картины весьма самобытным, хоть и не оригинальным в основных своих составляющих. Подростки и взрослые тепло приняли эту историю, которая, возможно, и не является самым выразительным фильмом Синкая, но определенно наиболее полноценным и увлекательным. Помимо романтических и любовных переживаний фильм имеет неплохой научно-фантастический стержень, который двигает приключенческую линию. Как и в предыдущем аниме, здесь отдана должная честь японским традициям, которые в городах понемногу утрачивают вес, но в деревнях и селах процветают по сей день. Последний на 2020 год фильм режиссера "Дитя погоды" вновь знакомит зрителей с историей дружбы двух подростков, которая развивается параллельно мистической составляющей и социально-реалистичного подтекста о трудностях рабочих низов в Токио. Естественно, без любовной линии подростков не обошлось – это лейтмотив всего творчества Синкая. При всем этом, картина явно свидетельствует о весьма своеобразной любви режиссера к Токио. Пытаясь нащупать собственный путь, Синкай решил сделать упор на реализме, и в первую очередь но реализме картинки. Но реализм в его интерпретации делает акцент на светлых сторонах окружающего мира, что дарит зрителям непередаваемо красивые "задники" (фон в аниме, который, как правило, рисовался без тщательной детализации и прорисовки, и одним из первых, кто обратил на них внимание был Миядзаки). Макото Синкай как никто другой из этого списка хорошо подойдет подросткам – романтичным, переживающим трудности первой любви, страдающим и ослепленным переполняющим фонтаном эмоций. Но и взрослые не смогут не проникнуться тем очарованием, необычайной чувственностью, красотой повседневности и натуральности живых эмоций, что таят в себе работы этого режиссера. Мамору Хосода Родился будущий режиссер и сценарист в 1967 году, и уже с юных лет его увлекла мультипликация. Еще дома он пробовал снимать свои собственные мультфильмы. Окончив колледж искусств, пытался поступить на курсы в Studio Ghibli (вотчину тогда уже матерого Миядзаки), но не смог пройти по конкурсу. Поэтому устроился на работу аниматором в студию Toei Animation, где участвовал в создании известных и не очень аниме-сериалов и полнометражных лент. В начале нулевых к Хосоде пришел первый успех, позволивший создать собственную авторскую короткометражку. В 2006 году Хосода выпустил свой первый и лучший на данный момент полнометражный аниме-фильм - "Девочка, покорившая время", основанный на одноименной манге. Эта лента рассказывает о девочке, которая по случайному стечению обстоятельств обнаружила прибор, с помощью которого можно перемещаться во времени и изменять свое прошлое. Она не сразу смогла понять, что, изменяя свое прошлое в лучшую сторону, будущее окружающих ее друзей изменяется в худшую. Редкий фильм про путешествие во времени обходится без логических дыр и парадоксов, но здесь Хосода поднимая не новую тему, придает ей особую тональность. Морально-нравственные посылы, складный сюжет и хорошо проработанные образы главных героев позволили этому аниме стать успешным даже несмотря на рамки ограниченного проката внутри страны. Спустя три года на волне успеха Мамору выпускает сразу две картины – "Летние войны" и "Волчьи дети Амэ и Юки". И если первая картина была довольно оптимистичным, приключенческим научно-фантастическим аниме, то вторая разительно отличалась по настрою в сторону трагизма и фэнтезийного реализма. Спустя пять лет в 2015 году в прокат вышла очередная работа режиссера – "Дитя чудовища", лентой масштабной и весьма амбициозной. Действие картины развивается параллельно в человеческом и сверхъестественном мире, населенным антропоморфными зверьми. Живут они в нем примерно как люди несколько столетий назад, только с магией. Главный герой – парень, потерявший мать, попадает в тот мир и набивается в ученики к мастеру боевых искусств с крайне скверным характером. Здесь Хосода вновь пытается исследовать внутрисемейные отношения детей и взрослых, попутно рассказывая достаточно динамичную и увлекательную историю. В 2018 году вышло последнее на данный момент аниме этого режиссера – "Мирай из будущего". Действие ленты происходит в далеком будущем, а в центре сюжета вновь оказываются семейные отношения, на этот раз брата и сестры. Аниме Мамору Хосоды вполне подойдут и детям, и взрослым. Он мастерски сочетает в своих работах развлекательное и поучительное, драматизм и юмор, непосредственность и самобытность. Стиль его картин мало чем отличается от коллег по цеху, не имея ярко выраженных черт (как, например, у того же Синкая). Но аниме этого режиссера обладают своей тонкой непередаваемой атмосферой, которая намекает на то, что для Хосоды содержание его работ превалирует над формой. Тема семьи и взаимоотношений ее членов является основным элементом в нарративной составляющей всех работ Хосоды. Эта тематика никогда не устареет. Исследуя различные ситуации и примеры, режиссер сплетает в свои работы некоторые автобиографические штрихи. Именно смысловые акценты делают аниме Мамору Хосоды оригинальными на фоне его коллег по цеху. Мамору Осии Мамору Осии родился в 1951 году и стал младшим среди трех братьев семейства. В школе он серьезно увлекался научной фантастикой и планировал в будущем стать писателем-фантастом. В старших классах Мамору был бунтарем - участвовал в демонстрациях и протестных акциях, что наложило отпечаток на все его творчество. В 1977 году – через год после окончания Токийского университета, Осии устроился на работу в анимационную студию Tatsunoko Production, где состоялся его первый режиссерский дебют. Но полноценная независимая режиссерская работа вышла только в 1985 году. После он принял участие в постановке двух полнометражных аниме – «Полиция будущего» и «Полиция будущего: Восстание». Следствием их успеха стало его назначение на должность режиссера в анимационную адаптацию популярной манги "Призрак в доспехах". Сюжет расскажет о мире недалекого будущего, где вовсю практикуется операция по переносу сознания человека в человекоподобное роботизированное тело. Главная героиня аниме - офицер полиции под кодовым прозвищем Майор. Она работает в отряде, расследующем кибер-преступления. Они выходят на след хакера, который называет себя Кукловод. Это изобретательный и хитрый преступник оказывается не совсем тем, за кого себя выдавал, а его истинные цели поражают воображение. Именно это произведение стало одним из самых известных аниме не только в Японии, но и за ее пределами. Невероятная популярность на Западе была обусловлена высоким качеством как исполнения, так и всего сюжета аниме, который под оболочкой нуарного фантастического детектива с несколькими отличными боевыми сценами прячет целый пласт постмодернистской философии, пропитанной трансгрессией. Последняя присуща многим фантастическим аниме, но свою крайнюю выразительность обретает именно в "Призраке в доспехах". Изящное и стильное аниме в одночасье становится хитом и обзаводится аниме-сериалом и полнометражным сиквелом, который поставил тоже Мамору Осии. Немного сбавив в философских посылах, аниме все еще сохраняло неонуарную атмосферу, а также обзавелось новыми визуальными стилистическим особенностями. И уж точно не опорочило честь оригинала. В 2016 году Голливуд снял свою киноадаптацию "Призрака в доспехах", которая уступала оригиналу по всем фронтам, кроме, возможно, спецэффектов. Смотреть ее мы не рекомендуем! Кацухиро Отомо Путь Кацухиро Отомо в аниме был гораздо дольше и тернистее, чем у вышеприведенных персон. Родился Отомо в 1954 году, и с раннего детства начал увлекаться мангой и научной-фантастикой. В 1973 году он переехал в Токио, где не смог поступить на курсы художника, и стал продавать комиксы. Он не бросил свои попытки создания манги для небольших местных журналов, и в том же 1973 году его работу опубликовал журнал Action. Следующее десятилетие он продолжал выпускать манги, пока в 1982 году не создал "Акиру". Манга возымела серьезный успех среди читателей, но только спустя несколько лет Отомо предложили стать режиссером адаптированной в виде аниме версии его манги. Изначально он не планировал перенос своего произведения на большой экран, но подобная возможность выпадает не часто. И в 1988 году свет увидело одно из самых влиятельных и культовых полнометражных аниме – "Акира". Действие ленты происходит в городе Нью-Токио, построенном на развалинах старого Токио, почти полностью разрушенного в огне ядерной войны. В центре истории два старшеклассника – лидер уличной банды байкеров Канеда и Тэцуо, который всегда находился под защитой и опекой Канеды. На улицах Нью-Токио царит атмосфера народного недовольства и разгула преступности. Во время одного из байкерских рейдов Тэцуо сталкивается со странным ребенком, после чего его забирают работники силовых структур. С этого момента в Тэцуо просыпаются паранормальные телекинетические способности. Кто-то спросит, при чем здесь Акира и кто это такой, но лучше не читайте длинные синопсисы или спойлеры, а посмотрите это великолепное аниме, ставшее классикой в жанре киберпанк. Картина вскрывает проблемы взросления, трудных подростков, но делает это тонко и скрыто, через визуальное, а не вербальное повествование. Для отстраненного зрителя фильм покажется обычным фантастическим боевиком, но даже с этого поверхностного ракурса, здесь есть на что посмотреть. Картина впечатляет размахом действия, брутальностью и накалом событий. Примесь сверхъестественного только добавляет интереса и многогранности. О посылах, скрытых подтекстах и смыслах "Акиры" можно расписывать еще долго, но не будем останавливаться. В техническом плане "Акира" в 1988 году произвел локальную революцию – стилистика и приемы рисовки задали планку качества на десятилетия вперед. Даже в сравнении с современными аниме "Акира" не выглядит устаревшим. Титанический труд художников-аниматоров виден практически в каждой детали. Подчеркивает картину самобытный саундтрек, одновременно футуристический и отдающий честь народным японским инструментам. Автор этой статьи начал знакомство с аниме в далеком прошлом именно с этой картины, которую до сих пор считает одной из самых лучших в жанре. Кацухиро Отомо выпустил еще несколько неплохих полнометражных аниме, но до успеха и великолепия "Акиры" им всем уже было далеко. Это не список из шестерки лучших (здесь у каждого будет своё мнение), но подборка наиболее выдающихся на наш взгляд творцов в жанре аниме. Каждый из них оригинален, некоторые больше, некоторые меньше. Одни старались снимать свои работы для широкой публики, другие больше думали о самовыражении, сильно сужая потенциальный круг зрителей. Именно с них лучше всего открыть для себя этот диковинный мир. Хотя, если разобраться, то можно найти еще не мало талантливых и выдающихся творцов. Об аниме-сериалах мы, возможно, составим отдельный рейтинг, если данный ТОП соберет достаточно просмотров. Будьте здоровы!