10 фильмов, которые нужно посмотреть, чтобы понимать современное кино
Как и любое искусство, кинематограф полон отсылок к работам старых мастеров. Вы точно могли обратить внимание, что многие режиссеры используют похожие сцены, ракурсы и музыкальные темы. В большинстве случаев такие приемы используются не от недостатка фантазии, а чтобы создать отсылку к уже известному фильму. Мы собрали 10 кинолент, на которые часто ссылаются современные режиссеры.
«Правила игры»
Год: 1939
Режиссер: Жан Ренуар
«Правила игры» — это сатирическая драма, которая изображает французское общество перед Второй мировой войной. Фильм рассказывает о группе людей из различных социальных классов, чьи жизни переплетаются во время охоты в замке у богатой аристократической семьи. Фильм пронизан сарказмом и критикой по отношению к социальным и классовым неравенствам, а также к инертности и аморальности общества.
Работа Ренуара над «Правилами игры» впервые демонстрировала новый стиль снятия фильмов, который включал глубокое и динамичное использование камеры, сложную структуру сюжета и естественную игру актеров. Это стало важным шагом в развитии кинематографа и легло в основу множества последующих фильмов и стало эталоном для многих режиссеров.
Сегодня отсылки к «Правилам игры» вы можете увидеть в таких фильмах и сериалах как «Белый лотос», «Треугольник печали», «Сообщество», «Паразиты». Если вы видите, что несколько богатых белых людей спокойно себе едят и обсуждают, как несправедлив мир, а бедные вокруг них страдают, но не получают помощи, знайте, что это точно отсылка.
«Броненосец “Потемкин”»
Год: 1925
Режиссер: Сергей Эйзенштейн
«Броненосец “Потемкин»” — это историческая драма, повествующая о событиях, произошедших на броненосце «Князь Потемкин Таврический» во время Одесского восстания 1905 года.
«Броненосец “Потемкин»» имеет огромное значение для мирового кинематографа. Во-первых, благодаря инновационной технике монтажа, которая называется «монтажом аттракционов» или «эйзенштейновским монтажем”. Эта техника, основанная на использовании серии коротких, резких сцен, создает эмоциональную и психологическую напряженность у зрителя. С помощью переходов и демонстрации мелких деталей, Эйзенштейну удается создать цельный образ не на экране, а в уме и сердце зрителя. В будущем это назовут «Эффектом Кулешова».
Одна из самых динамичных сцен — расстрел мирных жителей на одесской лестнице — стала визитной карточкой фильма, и ее часто воспроизводят другие режиссеры. Похожие сцены вы можете увидеть в таких фильмах как: «Звездные войны: месть ситхов», «Неприкасаемые», и даже в «Игре престолов». В целом, «Потемкинская лестница» стала колыбелью, из которой вышли такие массовые сцены, где толпа в отчаянии куда-то бежит, а зрителю показывают урывки истории каждого человека, оказавшегося перед кадром.
«Психо»
Год: 1960
Режиссер: Альфред Хичкок
Фильм основан на романе Робера Блока и рассказывает историю женщины по имени Марион Крейн, которая оказывается запертой в гостиничном номере незнакомцем по имени Норман Бэйтс.
«Психо» стал важным для мирового кинематографа по нескольким причинам. Во-первых, фильм инновационно использовал технику сюжетных поворотов и трюков, что привело к созданию персонажа Нормана Бэйтса, который стал культовой фигурой мирового кино.
Во-вторых, «Психо» с шокирующими сценами насилия и известной «душевой сценой» стал одним из первых фильмов, которые открыто и демонстративно показывали убийство на экране. Это вызвало множество дискуссий и обсуждений в обществе, однако также открыло новые горизонты для жанра ужасов и кинематографа в целом.
Сцена в душе и образ Нормана Бэйтса часто воспроизводятся режиссерами разных жанров. Похожие элементы можно увидеть и за пределами хорроров, например, в «Очень страшном кино», «Отчаянных домохозяйках» или в «Таксисте» Мартина Скорсезе.
«8 ½»
Год: 1963
Режиссер: Федерико Феллини
Когда говорят о Феллини, то в первую очередь вспоминают его картину «Сладкая жизнь», но не менее важным является произведение «8 ½» — автобиографическая драма о режиссере, который страдает от творческого кризиса и смутных воспоминаний о своей жизни. Как и в других картинах, Феллини использует ломаную временную линию, события расставлены в хаотичном порядке и больше напоминают мозаику, которая складывается в цельный образ. Можно сказать, что режиссер взял эйзенштейновский подход к монтажу и переложил его на повествование.
«8 ½» известен своим визуальным стилем и эстетикой. Феллини создал уникальную атмосферу с помощью запоминающихся кадров, костюмов и декораций. Это влияние можно увидеть во многих последующих фильмах итальянской кинематографии.
Наконец, «8 ½» обратил внимание на роль режиссера в кинематографе и его творческие муки. Фильм исследует тему самоотдачи и самопознания в искусстве и жизни режиссера. Это становится источником вдохновения для многих киношников и позволяет зрителям задуматься о сущности киноискусства.
Приемы Феллини в дальнейшем использовали Квентин Тарантино в «Бесславных ублюдках» и «Криминальном чтиве», братья Коэн вдохновлялись эстетикой и метафоричностью при создании фильма «Бартон Финк», а рассуждения о роли создателя и творца можно встретить в многочисленных фильмах Вуди Аллена.
«Семь самураев»
Год: 1957
Режиссер: Акира Куросава
Фильм рассказывает историю семи самураев, которые нанимаются, чтобы защитить деревню от банды разбойников. Эта кинолента стала одной из наиболее влиятельных в истории японского и мирового кинематографа. Фильм принес популярность японскому кино в международных масштабах и стал предшественником супергероики в современном виде — все «Отряды самоубийц», «Мстители» и «Лига справедливости» корнями происходят из киноленты Куросавы.
«Семь самураев» дали мировому кино новый подход к характерам и развитию персонажей. Куросава подробно раскрывал каждого из семи героев, и зрители стали сопереживать им и их усилиям. Это стало примером для многих других фильмов, в которых группа главных героев играет важную роль.
Наконец, «Семь самураев» исследует тему чести, моральных выборов и справедливости. Фильм вызывает вопросы о природе геройства и жертвы во имя коллективной цели. Эти тематические элементы сделали фильм значимым для кинематографа, продолжающим вдохновлять и задумывать зрителей по всему миру.
«Космическая одиссея: 2001»
Год: 1968
Режиссер: Стенли Кубрик
Говоря о Кубрике, невозможно выделить только один фильм, который больше других повлиял на мировое кино. Каждая его работа оставила след, и на каждый фильм существует отсылка, будь то «Сияние», «Заводной апельсин», «С широко закрытыми глазами» или «Доктор Стрейнджлав». Но мы задержимся на «Одиссее», потому что именно этот фильм стал основой для многих научно-фантастических фильмов: от «Интерстеллара» до «Бегущего по лезвию».
«Космическая одиссея» является техническим подвигом, в ней появлялись инновационные визуальные эффекты и спецэффекты для своего времени. Кубрик использовал передовые технологии и уникальные методы съемки, чтобы создать непревзойденный визуальный опыт для зрителей.
Во-вторых, «Космическая одиссея» вывела кино на новый уровень философской глубины и открытых интерпретаций, подняв такие важные вопросы, как место человека во Вселенной, возможности и ограничения технологии и смысл существования.
«Гражданин Кейн»
Год: 1941
Режиссер: Орсон Уэллс
Фильм, без которого не существовало бы современных байопиков. Без шуток, именно «Гражданин Кейн» продемонстрировал мировому зрителю, что историю одного человека можно показать на экране так, что будет невозможно оторваться.
Кинолента начинается с конца — смерти господина Кейна. Журналист, который хочет дать хороший материал вместо некролога, начинает собирать информацию о главном бизнесмене эпохи и постепенно погружается в историю мистера Кейна. Благодаря этому приему, зрители как бы становятся соучастниками журналистского расследования, байопик превращается в уникальный детектив. Знаете, где еще вы могли увидеть такой прием?
В сериале «Изобретая Анну», а также в фильмах «Великий Гэтсби» и «Элвис» База Лурмана, в киноленте «Однажды в Америке» и во второй части «Крестного отца».
«Хороший, плохой, злой»
Год: 1966
Режиссер: Серджо Леоне
Это один из эталонных «макаронных вестернов» — так называли фильмы о Диком Западе, снятые на итальянских киностудиях. В тот период Италия активно сотрудничала с США, многие американские актеры, не снискавшие популярности на родине, оказывались востребованными в Италии, хотя в случае с «Хороший, плохой, злой» Клинт Иствуд, сыгравший главную роль, является скорее исключением, чем правилом.
Яркий и красочный внешне, фильм рассказывает довольно мрачную историю о бандитах, моральных дилеммах и насилии, смешанном с юмором. И именно это режиссерское решение Леоне стало основой жанра Вестерна. Фильм соткан из контрастов, насыщен деталями, которые дополняют картину. В этой киноленте для достижения художественного эффекта используется несколько элементов: визуальная составляющая, часто возвращающаяся к эйзенштейновскому монтажу, выдающаяся операторская работа и музыка. Саундтрек Энио Морриконе стал визитной карточкой всего жанра в целом.
Отсылки к этому фильму и индустрии спагетти-вестернов можно увидеть в фильмах: «Однажды в Голливуде» Квентина Тарантино и в его же «Омерзительной восьмерке», «Джанго освобожденном» и (снова) в «Бесславных ублюдках». Работой Леоне также вдохновлены «Быстрый и мертвый», «Братья Систерс» и — неожиданно — «На игле».
«Кабаре»
Год: 1972
Режиссер: Боб Фосс
Мрачная историческая драма, которая легла в основу большинства фильмов-мюзиклов. Отсылки к музыкальным номерам из «Кабаре» можно увидеть в «Бурлеске» с Кристиной Агилерой, а разделение мира внутри фильма на реальность и происходящее на сцене встречается в «Мулен-Руж» и «Чикаго».
Хотя современные режиссеры взяли из ДНК «Кабаре» яркие музыкальные номера, шутки, хореографию и костюмы, не все рискуют позаимствовать и жесткую социальную сатиру, глубокий драматизм и исторические отсылки. В частности из-за того, что и в самом «Кабаре» эти элементы подаются очень осторожно. На первом плане зрителю подается история робкого англичанина, который окунулся в жизнь Берлина середины тридцатых годов. Он влюбляется в американку Салли, которая грезит славой, пробует свои силы в высшем обществе и пытается выстроить свои отношения с миром и с собой. И за всеми скандалами, страстями, песнями и танцами можно совершенно упустить из виду, как меняется жизнь общества в Германии.
«Большой Лебовски»
Год: 1998
Режиссер: Джоэл и Итан Коэны
Братья Коэн уже сейчас считаются современными классиками, и из их фильмов невозможно выбрать один наиболее значимый. Можете обратить внимание на «Фарго», «После прочтения сжечь», «Человек, которого не было». Работы братьев очень часто завязаны на комедии положений, когда человек оказывается не в том месте и не в то время, и срабатывает как спусковой крючок для всей истории. К этому приему добавляется абсурдность диалогов, и пока зритель пытается понять, а есть ли смысл вообще в том, что говорят герои, у него под носом разворачивается самое настоящее действие. Дело в том, что братья Коэны часто используют язык не слов, а символов. Конечно, важно слушать то, что говорят герои, но еще важнее смотреть и наблюдать: что они делают в этот момент, какие предметы держат в руках, что едят, куда смотрят, как жестикулируют. Именно этот прием наполняет фильмы и выводит их на новый смысловой уровень.
Отсылки к «Большому Лебовски» можно увидеть в первом сезоне «Чудотворцев», а еще в фильмах Гая Ричи, например, в киноленте «Большой куш» и «Операция Фортуна».